Ho scritto diversi articoli in passato sulla personalità, navigando nelle relazioni creative quando entrambi i membri della coppia si trovano in campi artistici simili, così come sulla motivazione e perseveranza necessarie per seguire i propri sogni nel mondo dell’arte nonostante le avversità contro di loro.
Un argomento che mi è venuto in mente, che penso possa essere di grande interesse, è stato il processo creativo. Cosa pensare fanno i vari artisti per trarre ispirazione, per trasformare un concetto dall’ispirazione in uno spettacolo? Com’è il loro percorso? In che modo questi talenti unici e personalità dinamiche affrontano il processo creativo da direzioni diverse, ma arrivano allo stesso risultato di un pezzo finito, piacevole ed emotivamente evocativo?
In questo pezzo in due parti, trascorrerò la prima parte concentrami su quattro artisti molto diversi, affascinanti ed emergenti, oltre a un gallerista sul loro ruolo nel processo dall’inizio alla mostra. Nella seconda parte del pezzo in due parti, mi concentrerò sull’unico direttore della galleria e sulle sue opinioni sul processo e sulla psicologia del lavoro con gli artisti e sull’aiutarli nel loro percorso.
Il processo creativo: dall’inizio allo spettacolo
1. Gus Fink
Instagram: Gusfink
Pagina dei fan di Facebook: www.facebook.com/gusfinkstudios
Sito web: www.gusfinkstudios.com
Gus ha uno stile completamente unico che è tutto suo. Si sforza di spingersi in progetti costanti e nuove aree, e ha un genuino desiderio di essere una voce e un modello che vorrebbe avere nel mondo dell’arte quando era più giovane. Spero che non gli dispiaccia se aggiungo che sente che la sua mostra è ” le opere di pittura più importanti che ha fatto fino ad oggi “. È profondamente personale e importante, e questo solo imbattersi nel lavoro in modo potente.
Ecco i pensieri di Gus sulla sua esperienza e processo creativo:
“Come artista, ho iniziato a vendere i miei lavori nelle gallerie nel 2001. Da allora, ho avuto 15 mostre personali e ho fatto parte di 25 mostre collettive. La strada fino ad ora ha avuto i suoi alti e bassi, e questo settembre avrò il mio primo Solo Show a Los Angeles dal 2009.
Quando ero nuovo a Los Angeles, e ora sono tornato diverse volte per lavoro. Allora stavo appena compiendo 30 anni, e ora mi sto avvicinando ai 40. Molte cose sono cambiate da allora e ho avuto diversi spettacoli da solista/gruppo sulla costa orientale, che è dove sono le mie radici. Il lato Gallery della mia carriera è un pezzo della mia carriera e, per fortuna, potrei pensare a molti modi per essere un artista a tempo pieno per oltre 18 anni, senza insegnare e senza lavoro freelance. Solo io, nessun agente, nessun manager.
Un ragazzo in una stanza chiusa a chiave dalla società che prende tele bianche, fogli, legno, ecc. e lo trasforma in qualcosa. Qualcosa che amo e spero che gli altri possono vedere che c’è un’energia speciale che emette da esso, inconsciamente o meno. Li sta facendo spendere soldi per la cosa che ho tirato fuori dalla mia testa. Considero quell’alchimia, vera alchimia.
pensare a cosa diavolo ha a che fare questo con le gallerie o di cosa stai parlando. Bene, ora mi cimenterò. La mia prossima mostra personale si intitola “Facebook Friends”. È l’unica volta che metto un tema in una mostra in galleria. Di solito, avvolgo, impacchetta e appendo il mio lavoro attuale preferito con alcuni lavori più vecchi.
In questo spettacolo, volevo fare qualcosa che fosse una serie completa. Sono noto per i miei dipinti di Antique Horror che mi hanno regalato molte mostre in galleria, accordi di licenza su magliette vendute ancora su Hot Topic e altro ancora. Ma non ho mai fatto quella tecnica o dipinto su persone con foto moderne. Oggi tutti sono fotografi in una certa misura. È quasi una merce senza valore a causa del facile accesso. Le persone schiaffeggiano selfie e foto di quello che vogliono ogni volta che vogliono.
Facebook è questo luogo a cui gli adulti si connettono mentre sottomettono davvero le loro anime alla modalità online piuttosto che avere vere connessioni umane come una volta. Quindi, per questo spettacolo, sto prendendo le foto del profilo di diversi amici di Facebook che ho, la maggior parte di questi “amici” che non ho mai incontrato nella vita reale. Alcuni non così se sono chi dicono di essere.
Molti sembrano essere fan del mio lavoro, e per questo sono grato. Ma non mi sembra mai di avere una piccola parte di questi amici nella vita reale. In effetti, non ricevo telefonate da nessuno, a parte mia moglie e mio fratello.
Quindi, prendo queste foto e le trasformo in opere d’arte. Sto creando qualcosa di nuovo da un’inutile cattura dello schermo di una foto di selfie e poi lascio che la persona mi porti da qualche altra parte. L’obiettivo di ciascuno è trasformarlo in qualcosa che sprigiona una vera emozione cruda.
Gran parte di Facebook e dei social media sono falsi. Sono le persone che cercano di essere perfette. Non è chi sono veramente sotto, o come a volte sembrano anche da vicino e personali NELLA VITA REALE. Queste nuove opere sono oscure, caotiche, affascinanti, psicotiche, dolorose e straordinariamente belle. Perché sono la vera vita RAW fatta con materiali e mani su un atomo autentico autentico tangibile unico nel suo genere che esplode di odori e gusto.
Come sono arrivato qui con questa idea per questo spettacolo? Anni passati a guardare il mondo fare un passo indietro l’uno dall’altro. Anni passati a tenermi dentro a creare il mondo dalla mia testa e dalla mia anima ea riversarlo costantemente affinché le persone lo vedessero, principalmente online. Ma una volta all’anno o forse più, a una mostra in galleria.
Quindi, scorrendo queste foto dei miei amici di Facebook e trasformandole in una vera opera d’arte grezza che le persone possono vedere nella vita reale e non sui loro schermi, sono di nuovo un alchimista, trasformando niente in qualcosa, qualcosa in di più, e fare in modo che le cose si muovano, spostino e diffondano i segni interiori della mia anima affinché le persone siano ispirate.
Svegliamoci in un mondo più creativo. Connettiamoci di nuovo. La mia mostra sarà il 9 settembre al Dark Art Emporium di Long Beach in California. Spero di vedervi lì!”
2. Julie B.
Sito web: JuliesArt.com
Pagina dei fan di Facebook: https://www.facebook.com/JuliesArtCom/
Instagram: juliesartcom
Julie è così creativa, così disposta a provare cose nuove e, soprattutto, a donarsi agli altri. L’ho sperimentata personalmente provando gioia genuina nel condividere con me i suoi trucchi del mestiere. La sua volontà di aiutare gli altri a creare in modi che ha impiegato anni a coltivare attraverso tentativi ed errori. La sua gioia, la sua attenzione ai dettagli e la sua impavidità si manifestano nel suo lavoro.
Ecco i pensieri di Julie:
“Una delle cose che amo della creazione artistica è la varietà di mezzi e processi che possono essere utilizzati. Alla scuola d’arte, ho seguito quante più classi possibili e ho potuto sperimentare ancora di più nel corso degli anni. Penso che chiunque possa trarre vantaggio dalla creazione di arte. L’esperienza è sia mentalmente stimolante che meditativa allo stesso tempo.
La mia grande passione sono gli animali. Si fanno strada nella maggior parte della mia arte: dai mezzi tradizionali, all’artigianato, all’arte del gioco. Mentre alcuni dei miei lavori sono un po’ più oscuri (ad esempio: uccelli scheletrici ‘Death of Life’ ispirati alla discarica di Pacific Gyre), la maggior parte è ottimista e stravagante. Creare lavori che incoraggino un sorriso e permettano allo spettatore Preferito di intravedere un mondo alternativo di animali, in cui un pangolino è un professore di geografia, o un petauro dello zucchero governa gli inferi.
Il mio processo creativo prevede molte ricerche sugli animali e la raccolta di materiale di riferimento. Cerco di rimanere fedele alla loro forma principale prima di aggiungere una rotazione antropomorfa. Con alcuni dei miei pezzi ho una visione definita; ma con molti, la loro storia si sviluppa man mano che i loro volti e il loro carattere prendono vita.
Mi piace molto fare opere scultoree e ultimamente mi sono sentito “infeltrito con l’ago”. È un processo che richiede tempo e consiste nel colpire le fibre sciolte con un ago uncinato fino a quando non prendono forma, ma è un modo meraviglioso per replicare la morbidezza degli animali.
Ho avuto la fortuna di creare versioni in miniatura degli animali spirituali delle persone o degli animali domestici amati: pipistrelli, coniglietti, cani, gatti, giraffe, lemuri, bradipi, capre, orsi, tardigradi di uccelli e altro ancora. Sono molto grato di poter usare la mia arte per poter restituire ad alcuni dei miei enti di beneficenza animali preferiti quando i fondi sono scarsi.
Ho un profondo rispetto per i tanti sacrifici che queste organizzazioni fanno per prendersi cura dei nostri più vulnerabilità. Ci sono alcune grandi gallerie che mi hanno dato l’opportunità di condividere il mio lavoro in un ambiente pubblico. Al momento ho un pezzo, ‘Benny’, in mostra alla Hyaena Gallery di Burbank”.
3. Jeremy Croce
Instagram: jeremycrossart
Negozio online: jeremycross.bigcartel.com
Prossimi progetti:
- Agosto – “The Troma Show” alla Hyaena Gallery
- “Sideshow Revival” (Attore) all’Alex’s Bar Long Beach
- Settembre – “3am” alla Hudson Hughes Gallery
- Ottobre – “Spettacolo Occulto” alla Galleria Futuro
- Novembre – “Underworld” alla Galleria Copro
- “Requiem” (curatore) Dark Art Emporium
Il prossimo artista che ho il piacere di presentarvi è Jeremy Cross. Jeremy è stimolato da molti diversi sforzi e mezzi artistici. Non gli piace stare in uno stile o spazio troppo a lungo, per far fluire i suoi succhi creativi.
Ha uno stile unico che evoca qualcosa da parte dello spettatore che non può essere negato. Soprattutto, è principalmente umile, generoso e generoso ai suoi fan; più recentemente coltivando un progetto con altri artisti che rendono il loro lavoro accessibile e accessibile a coloro che vogliono possedere un vero pezzo di creatività.
Gli artisti coinvolti sono sfidati a utilizzare solo oggetti che possono acquistare da un negozio da 99 centesimi. Devo dire che sono alcune delle cose più creative, interessanti e persino divertenti che immaginare. La prima asta è appena tenuta su eBay , con altre promesse in arrivo. Non ho potuto trattenermi dall’afferrare alcuni pezzi di questo lancio iniziale.
Ecco alcuni dei pensieri di Jeremy:
“Vorrei che ci fosse un momento magico di ispirazione. Una luce eterea di extra-coscienza che porta con sé la visione di nuove opere. Questo è il sogno, giusto? Ma non funziona in questo modo. La realtà è cruda, fa schifo e talvolta dolorosa.
Se sto lavorando a un pezzo per uno spettacolo di gruppo a tema, questo può rendere più facile o molto più difficile. Cercando di trovare la tua strada nel tema. Quell’equilibrio nel volere qualunque cosa tu faccia per sentirti come la tua roba mentre si aggroviglia bene con il tema dello spettacolo.
Per il lavoro che faccio per me stesso, di solito finisce per diventare una mostra personale. Il processo è completamente diverso. Non provo mai a trovare un tema per la serie. Lavoro e basta. Dipingo e abbozzo un sacco di lavori e se un filo comune inizia a percorrerlo, allora so di essere su qualcosa e da lì corro con esso.
Faccio molti schizzi. Disegnare aiuta a capirlo. Prendo il mio album da disegno e mi dirigo verso un dive bar vuoto, bevo e abbozzo. Brucio le pagine cercando di trovare le giuste angolazioni, l’illuminazione, le idee. Disegno cose che così faranno schifo, idee decisamente stupide. Li superi perché spesso producono qualcosa di inaspettato.
Una volta trovata quella fessura nell’armatura del pezzo, il rifinisco di nuovo su carta. Quindi disegnalo ancora una volta sul legno. Sono principalmente un pittore ad olio e inizio con sottili lavaggi di colori saturi di Liquin. Ciò consente allo schizzo di rimanere visibile mentre creo i livelli.
Ma gioco anche un po’ con la pirografia, alcune sculture, assemblaggi multimediali (ndr: uno dei miei stili preferiti), inquadrature elaborate, ecc. Ognuno di questi ha il proprio processo, la propria agenda e il proprio flusso. Non posso restare con un mezzo avvicina ormi troppo a lungo, mi annoio facilmente.
La diversità è la mia salvezza. Questo si estende a tutto. Oltre a creare opere d’arte tradizionali, sono anche un curatore esperto (ora sto lavorando con la mia terza galleria – The Dark Art Emporium a Long Beach, California. “Requiem”, la mia prima mostra curata per loro apre questo novembre).
Suono la chitarra e canto. Scrivo io. Realizzo mobili con vecchie botti di vino e presto aggiungerò un artista di Vaudeville a quell’elenco mi trasformo in “The Divine Reverend Swine” come presentatore e MC del “Sideshow Revival” che inizierà il 27 agosto all’Alex’s Bar di Long spiaggia.
Ogni divisione nel percorso, ogni distrazione, infonde nuova vita a quella successiva. Mi fa tornare affresco all’inizio di ogni fase di un processo. Se la varietà è davvero il sale della vita, allora prenderò la mia vita piccante da morire”.
4. Camilla D’Errico
Sito web: camilladerrico.com
Fan Page di Facebook: www.facebook.com/camilladerricoart
Instagram: camilladerrico
L’ultima artista, che ho il vero piacere di condividere con voi, è Camilla D’Errico. Lei è semplicemente una boccata d’aria fresca. Il suo lavoro è bellissimo, pieno di vita, amore, stupore e tranquillità. Il suo stile unico è immediatamente riconoscibile. Sono pronto a scommettere che l’avete vista lavorare, anche se non conoscevate il suo nome prima d’ora ( anche se scommetto che molti di voi l’hanno fatto ).
Ha un atteggiamento positivo e ama i suoi simili. Vuole condividere quella persona e altri quel modo di vivere con gli attraverso il suo lavoro. tuttavia abbia successo, è umile. per poter imparare e provare di più. Mentre è impegnata, trova il tempo per insegnare attraverso e condividere con gli altri che cercano di esprimersi, numerosi sforzi.
Ecco alcuni dei pensieri di Camilla sul suo processo creativo e su come è arrivato al suo prossimo spettacolo:
“Amo essere un artista perché può esistere in due mondi. Trascorro metà della mia giornata nel mio mondo creativo: ci cado come Alice nella tana del coniglio. Mi concentro sulla creazione dei miei dipinti riversandoci emozione e anima, dimenticando qualsiasi altra cosa nel processo.
L’altro lato della mia vita è la realtà, che non assomiglia per niente al mio piccolo mondo arcobaleno. Quel lato della mia vita è pieno di e-mail, orari, riunioni, social media, trattative contrattuali e pianificazione per il futuro.
Il problema dell’essere un artista è che la porta del mio mondo creativo non è sempre così facile da trovare. Molte persone è venire da dove prendo la mia risposta e da dove vengono le mie idee, che una domanda viene a cui difficile
Se dovessi visualizzare la mia ispirazione, sarebbe un labirinto in cui entro e cerco di dare un senso a pensieri, idee, immagini casuali; e apro porta dopo porta per vedere se dietro certi luoghi c’è il pezzo della mia anima che voglio rendere nel mondo reale.
Alcuni mesi fa, mi sono assicurato una nuova mostra personale con la Corey Helford Gallery per marzo 2018 a Los Angeles. Ero così emozionato, perché adoro il gallerista e lo spazio, ed è un onore essere invitato a trovarmi nell’area espositiva principale. Tuttavia, non ero stato in grado di creare un tema per il mio spettacolo fino a poco tempo.
Ho provato per mesi a disegnare e inventare immagini che volevo dipingere, ma una dopo l’altra le mie idee sembravano vuote. Succede sempre agli artisti, il blocco degli artisti. Non sapevo come aggirare questo gigantesco masso negativo che si era eretto nella mia mente creativa.
Non è stato fino al mio recente viaggio a Roma che ho avuto una svolta. Mi sono reso conto che quest’anno mi ero concentrato su tutti gli aspetti negativi del clima politico che ha superato l’America. Sono e vivo a Vancouver BC, ma ho profondi legami con gli Stati Uniti. I miei amici e la mia famiglia vivono lì e ho visto un cambiamento nel paese che mi ha ferito profondamente.
La politica è una cosa brutta. Forse sono troppo sensibile, ma sentivo davvero che il messaggio d’amore si stava perdendo in qualche modo. Quando ero a Roma, ho sentito un detto “viviamo tutti sotto lo stesso cielo”. Poi qualcuno ha accennato a come il Canada un mosaico di culture che compongono sia il Paese; abbracciamo le culture uniche di tutti sotto la grande bandiera rossa e bianca.
In quel momento, sapevo esattamente cosa avrei dipinto. La mia nuova mostra personale sarà un mosaico di umanità. Voglio trasmettere il messaggio che i colori della pelle non contano, tutti sanguiniamo di rosso, non importa che razza sei, che taglia sei, chi ami, facciamo tutti parte di questo mondo fantastico. Unità, diversità e umanità saranno i temi della mia mostra personale, perché sono ciò credo sinceramente e profondamente essere che ciò che la mia anima ha bisogno di esprimere.
È difficile come artista scadenze perché non c’è nessuna garanzia che possiamo lavorare sulle idee esattamente quando ne abbiamo bisogno. Amo essere un pittore e spingermi verso nuovi limiti creativi, oltre ad aiutare gli altri che vogliono diventare artisti. Parte di ciò su cui concentro la mia carriera è aiutare a ispirare e insegnare a nuovi artisti. Dedico molto tempo alla creazione dei miei libri How To e alle mie lezioni online con Creative Bug e Skillshare.
Ne ho passate tante per diventare un artista professionista. Se posso aiutare gli attraverso altri le mie esperienze, allora voglio lavorare sodo per condividere e aiutarli a crescere e imparare. Non quanto significano per me quando mi dicono che hanno ricominciato a dipingere grazie a me, o che hanno anche avuto le difficoltà nello sviluppare le loro abilità.
Quest’anno aprirò anche il mio studio al pubblico per la prima volta. È il mio santuario, ma anche un luogo di ispirazione e colore che voglio invitare fan e aspiranti artisti a visitare. L’obiettivo è iniziare a fare lezioni nel mio studio di persona oltre che online. Ho lavorato molto duramente per raggiungere questo obiettivo, quindi vederlo arrivare a buon fine è uno dei momenti salienti del mio anno.
Lavoro da solo nel mio studio, quindi amo entrare in contatto con le persone attraverso i social media perché altrimenti può essere una vita solitaria. Sono sempre così onorato da ciò che mi dicono i miei sostenitori. Non mi rendevo conto che l’arte aveva un impatto così profondo sulle persone fino a quando i social media non sono diventati una forza così nelle nostre vite.
Ho pianto più di un paio di volte quando hanno condiviso con me le loro storie su come la mia arte li ha influenzati. È incredibile. Quindi nonostante tutti i miei alti e bassi, il mio lavoro frenetico e il programma delle convention, lavoro sodo per essere il tipo di persona e artista che sono felici di supportare e voglio restituire il più possibile.
Spero che il mio nuovo corpus di lavori li ispirerà e si connetterà con loro. Voglio compilare questo mondo di bellezza, amore e accettazione”.
5. Bill Shafer, proprietario della galleria
Ecco alcuni pensieri di Bill Shafer, proprietario della Hyaena Gallery di Burbank, in California . Bill ha lavorato con molti artisti in erba e molti di quelli presenti in questo articolo, e tutti quelli che mostrano, nella sua galleria.
Bill ha un’agenda molto specifica, creare uno spazio che permetta all’artista che potrebbe non avere una “voce” adatta a una galleria tradizionale, ma è comunque una voce unica e importante. Sono stato presentato a molti talenti unici attraverso la sua galleria, che altrimenti potrei essermi perso.
Ecco cosa ha da dire Bill sulla scelta degli artisti per la sua galleria, per le mostre personali e collettive mensili a tema, nonché sul suo ruolo nel processo creativo durante tutto il percorso:
“Sento davvero che lo scopo di una galleria d’arte è quello proporre di un punto di vista artistico e presentarlo al pubblico. È come era la radio FM prima che le società rivendicassero quell’industria. Ti sintonizzeresti su un DJ o un programma radiofonico specifico perché ti piaceva la musica che suonavano. Ti sei relazionato in qualche modo ai gusti del DJ e ti ripagherebbe quando lui/lei ti ha fatto entrare in un nuovo gruppo che ti ha fatto impazzire.
In una galleria d’arte, gli artisti sono le rock star. Un buon curatore crea la fiducia del suo pubblico e introduce costantemente nuova linfa nella scena, ma in un modo che abbia senso dal tuo punto di vista. Ci sono così tante gallerie in tutto il paese che sembrano seguire una scaletta rigorosa: artista noto, artista famoso, mostra collettiva con un tema facilmente commercializzabile, spettacolo tributo nostalgico, artista noto, ecc.
Quando prenoto mostre d’arte a Hyaena, cerco artisti che mi entusiasmino. Se vedo qualcosa nel lavoro che mi muove al giusto livello, allora so che ho bisogno di esporre l’arte. Cerco di lavorare a stretto contatto con gli artisti, ma mai fino al punto di indirizzarli su cosa creare.
Voglio vedere cosa c’è nella testa dell’artista, non la sua interpretazione della mia visione. Alcuni curatori seguono la strada della vanità e cercano di cercare ogni aspetto della mostra di un artista. Penso che se lasci brillare l’artista, il pubblico vedrà ciò che hai visto inizialmente nell’opera. Il nutrimento e il supporto, credo, sono più preziosi che dirigere il talento.
Ora, con artisti nuovi al gioco, offrirò sempre suggerimenti su come produrre una mostra di successo. Dal punto di vista del prezzo, se hai almeno alcuni pezzi alla portata del collezionista occasionale, questo ti aiuti a ottenere alcune vendite iniziali rapide. Aiuterà anche a mettere in evidenza e aiutare a vendere i pezzi più grandi e importanti.
Nella mia esperienza, i collezionisti principianti spesso iniziano in piccolo e gradualmente si fanno strada nella scala dell’arte. In quanto racconto, cerco di nutrire il collezionista insieme all’artista. Avere le stampe dell’opera assicurerà che ogni livello di collezionista sia curato e aiuterà la mostra ad avere più successo per l’artista.
Con le mostre collettive, mi piace trovare un tema soprattutto che ispirerà gli artisti. La mia regola è che, se l’opera d’arte è buona, il pubblico risponderà. In quanto spesso racconto, trascurerò concetti “facili” a favore di cose che ispireranno gli artisti. Tengo gli spettacoli intimi, con 15-20 artisti, in modo che ogni pezzo possa essere acceso.
Vedo mostre collettive in altre gallerie con un elenco di artisti 50+ profondo… che sembra più una festa per me, con un focus più sullo spettacolo piuttosto che sull’arte. Il mio ruolo da protagonista entra in gioco con l’impiccagione della mostra. Questa è una strana arte in sé e per sé. Ci sono punti sui muri, che sono punti focali naturali, e cerco di creare una narrazione e un flusso a cui le persone risponderanno.
Se nessuno si accorge di quella parte, allora l’ho fatto bene. Al di fuori di questo, mi occupo di promozione e vendita. Il mio obiettivo è rendere l’opera d’arte accessibile a tutti. Immagino che la linea di fondo per me sia semplicemente fidarmi degli artisti e celebrare l’arte… ecco perché siamo tutti qui”.
Conclusione
Spero che tu abbia trovato interessante questa prima parte della serie in due parti. Prevedo sinceramente che avrai una maggiore comprensione dei percorsi e dei processi unici che ogni artista intraprende per arrivare a un finale, nonché una visione di ciascuna di queste voci uniche.
La psicologia che accompagna ogni loro processo di pianificazione e creatività, i messaggi che stanno cercando di evocare, così come la genuinità e l’apertura che hanno di e con i loro doni e per i loro fan. È un piacere conoscerli e non ti pentirai di aver conosciuto il loro lavoro.
La mia speranza è che tu senta un maggiore senso di connessione con loro dalla comprensione di ciascuno dei loro processi e intenzioni.
Per favore, unisciti a me nella seconda parte di questa serie in due parti in cui intervisto Matt Kennedy, della prestigiosa La Luz De Jesus Gallery, e la sua nuova impresa della Gallery 30 South.
Questo articolo è stato originariamente pubblicato qui.
